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Nov 15, 2023

Recordando una película clásica tras la muerte de un pionero queer anónimo

La actuación queer de Murray Melvin en 'Taste of Honey' resultó innovadora Publicado por Por La semana pasada, con el fallecimiento el 14 de abril del actor, director y archivero teatral inglés Murray Melvin en el

La actuación queer de Murray Melvin en 'Taste of Honey' resultó innovadora

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La semana pasada, con el fallecimiento el 14 de abril del actor, director y archivero teatral inglés Murray Melvin a la edad de 90 años, el mundo perdió a un ícono del cine queer.

Si te sientes mal por preguntarte “¿Quién es ese?”, no te preocupes. Aunque la película con la que se dio a conocer – “A Taste of Honey”, dirigida por el cineasta británico de la Nueva Ola Tony Richardson – fue una premiada aclamada y popular cuando se estrenó en 1961, probablemente sólo sea conocida por el cine más apasionado. aficionados hoy en día, especialmente entre las generaciones más jóvenes; y aunque Melvin siguió siendo un elemento habitual del mundo del teatro de Londres e hizo varias apariciones importantes en cine y televisión, su fama fuera del Reino Unido fue limitada, por lo que es fácil perdonar que no sepas quién era.

Sin embargo, si bien la memoria popular puede haber dejado atrás la época en la que “A Taste of Honey” causó sensación en ambos lados del Atlántico, su importancia histórica –no sólo como un hito de la inclusión queer en la pantalla, sino como una obra fundamental en un importante movimiento artístico y cultural, todavía ocupa un lugar preponderante.

Basada en una obra de 1958 de Shelagh Delaney, era parte de una ola estética en Gran Bretaña conocida como “realismo del fregadero de la cocina” (o, alternativamente, el movimiento “joven enojado”, aunque en este caso tanto el escritor como el personaje principal eran mujeres). ), que se centró en las duras vidas y las dificultades de la clase trabajadora para explorar los males sociales y las desigualdades de la sociedad británica. Se centra en Jo, una colegiala de 17 años que vive con su madre soltera alcohólica; Después de un breve romance con un marinero negro itinerante, descubre que está embarazada y se muda sola con Geoffrey, un conocido que ha sido expulsado de su apartamento por ser homosexual. Durante un tiempo, construyen un hogar juntos, cuidándose unos a otros mientras enfrentan las realidades inciertas de su sombría existencia de clase trabajadora.

La obra de Delaney había sido un éxito en Londres (tal vez tanto por la controversia que suscitó como a pesar de ella) antes de trasladarse a Estados Unidos para una producción de Broadway con Angela Lansbury y un jovencísimo Billy Dee Williams. Ambas puestas en escena habían sido montadas por el director Richardson, quien en 1961 se había establecido como cineasta y se había convertido en una fuerza impulsora del cine británico en rápida evolución. Quería llevar la obra a la pantalla con la misma actitud sincera y nada sentimental que había definido la versión teatral, y gracias a su estatus como el joven cineasta más popular de Gran Bretaña, se le dio rienda suelta para hacerlo. Colaboró ​​con Delaney en una adaptación del guión que dejó intacta la obra original, con todos sus elementos controvertidos, y subrayó su realismo realista al filmarla íntegramente en locaciones (la primera película británica en hacerlo) en Salford, el decadente distrito industrial de Manchester donde se desarrolla la historia.

Para distanciar aún más su película de cualquier apariencia de artificialidad del mundo del espectáculo, Richardson confió en el casting de Dora Bryan –cuya popularidad en las pantallas británicas en papeles de “mujer suelta” durante la década de 1950 la convirtió en la elección ideal para interpretar a la negligente madre de Jo– como una actriz rentable. “nombre” y eligió elegir a desconocidos en su mayoría como sus jugadores principales. Para el papel central de Jo, audicionó a miles de aspirantes antes de elegir a Rita Tushingham, quien dijo en una entrevista de 2018 que su única experiencia actoral previa había sido como “las patas traseras de un caballo” en un pequeño teatro en Liverpool, y se decidió por un estudiante de actor llamado Paul Danquah para interpretar a Jimmy, el otro participante en el “impactante” beso interracial de su película.

Ninguno de estos actores había formado parte del reparto original de la obra, pero cuando llegó el momento de elegir un papel crucial, Richardson recurrió al actor que lo había originado: Murray Melvin, que había ganado el papel de Geoffrey cuando aún era un miembro novato del grupo de Joan Littlewood. Taller de Teatro, donde se representó por primera vez la obra. Vista hoy, es una actuación notable, tan auténtica y absolutamente queer como uno esperaría de cualquier actor moderno, pero realizada en un tiempo y lugar en el que estar “fuera del armario” era rechazado, estigmatizado y abierto a un proceso penal también. . Aclamado por un crítico contemporáneo como "un milagro de tacto y sinceridad", el Geoff de Melvin fue una piedra de toque instantánea para innumerables miembros del público gay que nunca se vieron representados en la pantalla, y el hecho de que se le presentara de forma positiva, sin estereotipos, cliché o juicio, debe haber parecido nada menos que un milagro.

Las otras actuaciones de la película son igualmente fuertes, por supuesto. Tushingham ganó muchos elogios, incluido el de Mejor Actriz en el Festival de Cine de Cannes (aunque, probablemente gracias a la negativa de la película a diluir su tema tabú, fue rechazada para el reconocimiento en los Premios de la Academia Estadounidense), y se convirtió en una especie de " It” girl en el cine transatlántico de los años 60; Danquah es atractivo y eminentemente simpático como Jimmy, en una actuación notablemente libre de las trampas racistas de la época y que va en contra de los tropos genéricos que de otro modo podrían hacer que el público lo viera con desdén moral; Gracias a la química que disfruta con Tushingham (sin mencionar el trato sincero que Richardson otorga a su relación), su interacción nunca es más que dulce y genuina, lejos de la naturaleza explotadora o depredadora con la que podría haber sido. dotado en otras películas más sensacionalistas de la época. Como Helen, la madre borracha de Jo, Bryan convierte una figura potencialmente odiosa en alguien a quien podemos entender, incluso si no podemos simpatizar con sus prioridades o respaldar sus elecciones de vida.

Aún así, la actuación de Murray Melvin es posiblemente el legado más significativo de la película y sigue siendo hasta el día de hoy un testimonio del poder del cine para decirle la verdad al poder, o al menos, para promover la empatía frente a la intolerancia sin sentido. Es una actuación singular, un caso atípico único de una época en la que la experiencia queer generalmente se representaba como desviada y peligrosa cuando no se ignoraba por completo.

Al igual que Tushingham, ganó los máximos honores de actuación en Cannes, pero ser nombrado “Mejor Actor” fue un triunfo de corta duración; su personalidad abiertamente queer lo hizo imposible de interpretar en la mayoría de las películas convencionales de la época, y se le negó el estrellato que podría haber disfrutado en una época más ilustrada. Sin embargo, continuaría disfrutando de una carrera larga y respetada, asumiendo papeles clave en películas de Ken Russell (“The Devils”, “The Boy Friend”) y Stanley Kubrick (“Barry Lyndon”) y haciendo prolíficas contribuciones en el cine británico. teatro y televisión. Incluso llegaría a formar parte de la junta directiva del Theatre Royal, donde alguna vez había pintado decorados por pasión por el arte mismo, y se haría famoso como archivero del Joan Littlewood Theatre Workshop, que había sido su entrada a una rica y vibrante carrera como artista de teatro y cine.

Estos logros, sin duda, dieron a Murray Melvin una sensación de plenitud. Para el resto de nosotros, su presencia innovadora y emocionantemente extraña en una de las películas más importantes de la década de 1960 es motivo más que suficiente para celebrarlo.

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Tres activistas superan la infancia dominada por la vergüenza

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Incluso dentro de la comunidad LGBTQIA+ en general, las personas intersexuales siguen siendo un misterio para la mayoría de nosotros.

Eso no pretende hacer que nadie se sienta culpable; es simplemente una observación que insinúa el poder del estigma que ha mantenido las historias intersexuales enterradas en los polvorientos gabinetes de las salas de investigación médica, incluso cuando a los otros segmentos de la población queer se les ha dado una mayor representación – y con ello, la oportunidad de expresar su verdad. – en la esfera pública. Guiados por suposiciones incuestionables sobre las expresiones “naturales” de género, el establishment científico y médico ha ocultado durante mucho tiempo los hechos que rodean a las personas intersexuales, a menudo incluso de los padres de niños intersexuales, mientras tomaban decisiones autocráticas sobre procedimientos médicos para “corregir” lo que percibían. como un “error” de la naturaleza. ¿Cómo puede alguien compartir su verdad con el mundo si siempre se la ha mantenido en secreto para ellos también?

Como se establece en "Every Body", el perfil documental de la directora de "RBG", Julie Cohen, sobre tres individuos intersexuales prominentemente visibles (que ahora se transmiten en Peacock después de su estreno en cines a principios de este verano), la respuesta a esa pregunta es que solo pueden hacerlo si forjando una nueva verdad, basada en la propia experiencia e independiente de las expectativas de los demás.

Los tres sujetos de la película: el actor y guionista River Gallo (ellos), la consultora política Alicia Roth Weigel (ella/ellos) y Ph.D. El estudiante Sean Saifa Wall (él/él) ha superado una infancia dominada por la vergüenza y el secreto hacia una próspera edad adulta vivida como ellos mismos, algo que sólo es posible gracias a la decisión de ignorar los consejos médicos sobre mantener en secreto la realidad de sus cuerpos. . Ahora líderes y defensores de un movimiento global para una mayor comprensión de la comunidad intersex, comparten las narrativas de las vidas que los han llevado allí, tanto las que les fueron impuestas a ellos y a sus familias desde su nacimiento, como las que ellos mismos han escrito. para ellos mismos.

Entretejido dentro de estos perfiles hay una historia histórica sobre el muy influyente pero poco recordado Dr. John Money, un investigador sexual cuyas opiniones sobre el género se volvieron fundamentales para institucionalizar una sensibilidad de la década de 1950 en el pensamiento médico aceptado en torno a las personas intersexuales; más específicamente, relata un caso de abuso médico más extraño que la ficción bajo el cuidado de Money, presenta imágenes de archivo exclusivas de los archivos de NBC News y expone las falacias detrás de los protocolos médicos que continúan persistiendo, sin control, años después de haber sido rotundamente desacreditados.

Es a través de esta mirada amplia al contexto en el que históricamente las personas intersexuales han sido enmarcadas por médicos y psiquiatras que la película provoca, quizás, la respuesta emocional más vigorosa del público; La historia de la vida real de David Reimer, sujeto del experimento que eventualmente desacreditaría el trabajo de Money, es desgarradora, y las imágenes de los tres protagonistas de la película viendo las desgarradoras entrevistas que Reimer, profundamente dañado, concedió cuando su historia se hizo pública, brindan algunas de los momentos más visceralmente conmovedores de la película.

De hecho, el concepto original de Cohen para la película era una exploración directa del caso Reimer, pero después de conectarse en línea con Weigel y, a través de ellos, con Gallo y Wall, cambió de dirección. Impresionada por su compromiso con la causa de una mayor comprensión y una mejor atención médica para las personas intersexuales, comenzó a filmar su activismo y su vida cotidiana. Como dice en sus notas de prensa, “Lo que comenzó como un documental de archivo se convirtió en una película muy ambientada en el presente”.

Es un cambio de enfoque que centra la película en la trascendencia sobre el trauma. A través de las sagas inspiradoras de sus tres figuras centrales, “Every Body” enfatiza rotundamente el empoderamiento que conlleva tomar el control de la propia narrativa, y la libertad y el perdón que pueden florecer en una vida más plenamente autorrealizada que la que les alentaron. o incluso obligados a aceptar en su juventud. Ver los tiernos recuerdos de Gallo con su madre, o escuchar la aceptación empática de Wall de las elecciones de sus padres ahora fallecidos para él frente a lo que sabían o les dijeron, es un bienvenido contraste con el diálogo a menudo estridente al que nos estamos acostumbrando cada vez más. encuentros en torno a tales asuntos en la conversación pública; al mismo tiempo, existe una emoción profundamente satisfactoria al ver a Weigel obstaculizar una legislatura de Texas o clausurar a un Steven Crowder visiblemente conmocionado (el controvertido comediante y experto conservador cuya característica distintiva generó todos esos notorios memes de “Cambia de opinión”) en su propia plataforma desafiando sus concepciones simplistas sobre la biología del género, recordándonos cuán formidables podemos ser cuando hablamos desde una verdad adquirida a través de la experiencia vivida.

Son escenas como estas las que superan el peso oscuro de un pasado menos ilustrado para ayudar al documental a avanzar hacia la luz más esperanzadora de la lucha activa de hoy por algo mejor. Habiendo reclamado, por fin, la autonomía sobre su propio cuerpo que les fue negada cuando eran niños, estos tres están listos para levantarse y luchar por un futuro en el que otros como ellos nunca tendrán que enfrentar lo que ellos y innumerables personas intersex a lo largo de la historia han tenido. experimentar. Cuando “Todos” finalmente llega al aquí y ahora, nos deja caer en una comunidad formada por individuos que se han encontrado a pesar del secreto, cuya voluntad de compartir su verdad entre sí y con sus aliados ha sido fundamental. Cambió la forma en que una generación de personas intersexuales aprende a pensar en sí mismas. Nos lleva a una manifestación diseñada para poner fin a la era de las cirugías secretas realizadas sin consentimiento a personas demasiado jóvenes para decidir por sí mismas, canalizando las lecciones aprendidas y la experiencia obtenida de los movimientos de derechos queer y trans que los precedieron para trabajar por un cambio cultural hacia una mayor aceptación, inclusión y comprensión. Nos deja con la seguridad de que el maltrato a menudo horrible y la conformidad forzada de décadas pasadas podrían finalmente ser reemplazados por el tipo de orientación compasiva e informada que todos merecen cuando se trata de decisiones que afectan el núcleo mismo de su identidad. Cuidadosamente estructurado pero fluido orgánicamente, e infundido con un sentido de propósito que evita la grandilocuencia performativa de la guerra cultural para encontrar la alegría que se esconde detrás de los movimientos de cambio más genuinamente persuasivos, el documental de Cohen hace su declaración dejándonos en un "arriba". " nota.

Desafortunadamente, como la mayoría de los documentales que llegan al mundo ahora, a medida que el antagonismo virulento contra todos los segmentos de la comunidad queer se vuelve cada vez más siniestro, el tono optimista que pudo haber parecido apropiado en sus inicios no puede evitar sentirse un poco fuera de sintonía. Eso no es un defecto de la película, sino un indicador de una época que se siente un poco más precaria de lo que la mayoría de nosotros nos sentimos cómodos, y cuando la obsesión de larga data de nuestra cultura con una construcción binaria de género “esto o lo otro” – se hizo dolorosamente obvio por el montaje inicial de la película de elaboradas acrobacias festivas de “revelación de género” – parece cada vez más una cuña inamovible.

Aún así, a pesar de los estados de ánimo actuales, la lucha debe continuar, y “Every Body” es el tipo de película que puede inspirar incluso a los guerreros más cansados ​​a seguir adelante contra la marea de intolerancia de mente cerrada que parece tan empeñada en devorar a nuestra nación.

Sólo por esa razón, viene con nuestra más alta recomendación.

'Quería humanizar la experiencia transgénero'

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Probablemente sea raro que una reseña cinematográfica comience con una noticia sobre un crimen del mundo real, pero“Ciudad de Kokomo”Es una película rara.

El 18 de abril, una mujer transgénero conocida como Koko Da Doll fue asesinada a tiros en Atlanta. Ella fue la tercera trabajadora sexual transgénero negra asesinada en la ciudad, y la décima persona trans, no binaria o no conforme con su género que muere por violencia en los EE. UU., hasta esa fecha en 2023.

Fue una historia que ocupó titulares limitados, pero comparativamente muchos más (desafortunadamente) de los que suelen acompañar a los asesinatos de trabajadoras sexuales transgénero negras; Esto se debe a que Koko, cuyo nombre “no actuante” era Rasheeda Williams, era una de las cuatro mujeres trans, tanto de Atlanta como de la ciudad de Nueva York, perfiladas en el documental “Kokomo City”, premiado en Sundance, que se estrenó en cines de forma limitada en agosto. 4. y ahora está disponible vía digital y VOD. La película, que fue producida ejecutivamente por el talento queer multifacético Lena Waithe (entre otros), ofrece un retrato notablemente sincero, completamente sin filtros y sin prejuicios de sus sujetos mientras comparten las experiencias y observaciones que han ocurrido. en el trabajo.

En la película, Koko, junto con sus compañeras trabajadoras sexuales Daniella Carter, Liyah Mitchell y Dominique Silver, ofrecen extensas entrevistas en las que “son realistas” sobre la perspectiva de la vida que les otorga su trabajo. A veces terriblemente impactantes, a veces resueltamente contundentes, sus anécdotas pintan un retrato de la sociedad vista desde abajo hacia arriba; pero está muy lejos del lamento y la moralización que algunos podrían esperar que acompañen a una película sobre un tema así, y en lugar de eso les da a estos cuatro individuos plenamente conscientes de sí mismos la oportunidad de hablar sobre todas las hipocresías y estigmas sociales que definen y limitan nuestra vida. la visión que la cultura tiene del sexo en general, y del sexo queer en particular, al tiempo que revela la inteligencia y el fuerte sentido de uno mismo (y sí, también el fuerte sentido del humor) necesarios para sobrevivir como miembro de una de las clases de personas más ignoradas del mundo. ser humano. Es transgresor de una manera que muchos encontrarán refrescante, incluso emocionante, pero otros encontrarán atroz.

Por mucho que deseemos lo contrario, la mayoría de nosotros probablemente creamos que la audiencia de “Kokomo City” probablemente no incluirá a las personas que más necesitan verla. Aquellos que están predispuestos a juicios restrictivos sobre el trabajo sexual y las personas trans probablemente no lo agregarán a sus colas de transmisión, una pena, aunque solo sea por la pérdida de su propia oportunidad de reconocer y empatizar con la humanidad de personas a las que de otro modo demonizarían en su vida. imaginaciones. Sin embargo, eso no le importa al director de la película, el productor, cantante y compositor dos veces nominado al Grammy, D. Smith, quien hizo historia como la primera mujer trans elegida para un programa de televisión sin guión en horario estelar.

Para su debut como directora de largometraje, Smith pretendía elevar las voces de sus protagonistas no sólo como una expresión de la experiencia queer, sino también de la experiencia negra más amplia. Mientras pasaba tres años navegando en el sofá con amigos mientras recopilaba el material para su película, le preocupaba, ante todo, transmitir la historia que estas cuatro mujeres tenían que contar. En su forma final, su documental es un testimonio de la verdad individual dentro de una dicotomía que no tiene espacio para ella; La comunidad negra en su conjunto, marginada y oprimida dentro de la cultura dominante mientras está sujeta a estrictas normas de aceptabilidad incorporadas en sus propias tradiciones y herencia, ha mantenido durante mucho tiempo un estigma particular contra la sexualidad queer. Como ofrece Smith en sus notas de prensa: “Muchos de nuestros niños negros crecen asustados y confundidos debido a los valores tradicionales o la violencia admisible contra ellos, que a veces los lleva a la muerte. [Es] una conversación que se ha evitado durante muchos, muchos años [que] ahora ha pasado a primer plano”.

Según lo dicen sus cuatro entrevistados, esas creencias firmes desaparecen rápidamente a puerta cerrada, pero aun así, en público, el prejuicio se mantiene firme. De hecho, Smith ofreció a otros cinco directores la oportunidad de dirigir el proyecto, y todos se resistieron antes de que ella decidiera hacerlo ella misma.

“Salí, compré una cámara y un buen objetivo y lo filmé yo misma”, dice. “Ni asistente, ni iluminador, ni editor. Sólo la visión de una verdad”.

Parte de esa verdad, dice, era “crear una película que pudiera atraer a personas fuera de la comunidad LGBTQ+”, pero también quería ser auténtica en su presentación de estas mujeres. Les estaba pidiendo que fueran reales, así que ella también tenía que serlo.

“En el momento de la concepción [de la película]”, dice, “había mucho contenido transgénero en esta narrativa que yo llamo la 'narrativa de la alfombra roja'. Es cuando un feroz equipo de relaciones públicas pone a una mujer trans con un vestido fabuloso y la hace hablar como una finalista de un concurso. Esa no es nuestra verdadera experiencia”.

Quería presentar algo diferente. “Quería sentir algo intacto. Algo que se parece a mi experiencia real. Algo en lo que todos podemos encontrarnos. Algo sin todas las reglas y leyes que nos separan como personas de color. Quería derribar esos muros. En esta película, pude compartir la vida privada de cuatro trabajadoras sexuales transgénero que nunca son representadas públicamente. Ofrecí libertad a las chicas. Libertad para hablar como nosotros. Parecerse a nosotros. No te preocupes por la política. Olvídate del maquillaje. No te preocupes por llamar a tu equipo glamoroso hoy. Sólo cuenta tu historia. Quería humanizar la experiencia transgénero”.

Capturada en blanco y negro, austera pero elegante, “Kokomo City” hace exactamente eso. Al poner el foco en cuatro mujeres que son todo menos la llamada “norma” y que están acostumbradas a que sus voces sean silenciadas, o al menos ignoradas, Smith nos brinda una perspectiva cruda pero profundamente considerada que desafía a la audiencia tomándolas fuera de su zona de confort, pero nunca deja de ser entretenido.

Sin duda, hay una vibra casi alegre en “Kokomo City”, sin duda debido en gran parte a la sensación liberadora y catártica de desahogarse que deben haber sentido sus sujetos al tener la oportunidad de compartir su verdad con el mundo.

Lamentablemente, esa alegría ahora debe verse atenuada para siempre por el conocimiento de que hemos perdido a Koko, cuya vida brilla tan intensamente en la pantalla, quien, aunque las autoridades dicen que no hay evidencia de que su muerte haya sido motivada por la homofobia o la transfobia, sin embargo es Otra víctima más del odio y la violencia profundamente arraigados que atormentan nuestra cultura y hacen que películas como ésta parezcan muy, muy preciosas.

Al mismo tiempo, escuchar su voz sonar entre las demás en el tremendamente entretenido documental de Smith, que ganó el NEXT Innovator Award y el NEXT Audience Award del Festival de Cine de Sundance y que ha sido aclamado en otros festivales, incluidos el Berlinale y el OutFest de Los Ángeles, le da un sentido de urgencia aún mayor, un imperativo mayor para presentar tanto la belleza como la vulnerabilidad de las mujeres trans, y convierte la película en una celebración de su luz insaciable.

También presenta a Smith como una cineasta a tener en cuenta, y estamos emocionados de ver adónde nos llevará a continuación.

Una voz perspicaz realzada por un enfoque ingeniosamente cinematográfico del material.

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Antes de que la novela de 2019 del autor no binario Casey McQuiston, “Rojo, blanco y azul real”, estuviera siquiera impresa, Amazon quería comprar los derechos de la película.

Es fácil ver por qué. Es un romance apasionante pero dulce entre personas del mismo sexo entre un miembro de la realeza británica y el hijo del presidente estadounidense que tiene lugar en un mundo donde ese presidente es una mujer. Sí, todo es fantasía optimista, que es, por supuesto, todo el atractivo. ¿No es de eso de lo que se trata el género romántico?

El libro se convirtió en un éxito de ventas, ganando honores en la undécima edición anual de los Goodreads Choice Awards, y Amazon realizó su adaptación cinematográfica, contratando al dramaturgo queer ganador del Tony Matthew López (“The Inheritance”) no solo como coautor del libro. guión (con Ted Malaher), pero debutará como director de largometraje. El producto terminado, que llegará a la plataforma del gigante del streaming el 11 de agosto, valida esa elección.

Es cierto que la premisa evoca una de esas películas de Hallmark tan difamada; El primer hijo Alex Claremont-Diaz (Taylor Zakhar Perez) es guapo, carismático y popular entre el público estadounidense; Al otro lado del Atlántico, el príncipe Enrique (Nicholas Galitzine) de Gran Bretaña, segundo en la línea de sucesión al trono británico, es igualmente adulado. Naturalmente, no se soportan el uno al otro, pero después de un encuentro en una boda real que se convierte en un incidente vergonzoso, ambos tienen la orden de implementar un "control de daños" pretendiendo ser amigos. Obligados a pasar tiempo juntos, su animosidad pronto se convierte en otra cosa, y se ven arrastrados a un romance cada vez más profundo que podría no sólo amenazar las esperanzas de reelección de la madre de Alex (Uma Thurman), sino también sacudir las tradiciones de la monarquía británica hasta sus antiguos orígenes. centro.

Sería bastante fácil descartar todo esto como una tontería sin sentido y basada en tropos, o adoptar una perspectiva desde la cual todo el asunto parece simplemente otra iteración de algún “cuento de hadas” probado y verdadero pero poco realista, si no fuera por la Voz perspicaz que se preserva y realza gracias al ingenioso enfoque cinematográfico de López hacia el material.

Aprovechando el cambio de medio, López logra una visión de la novela de McQuiston, que captura la esencia que ha convertido en clásicos todas las “grandes” comedias románticas cinematográficas. Combinando el idealismo político y la equidad social que elevaron los clásicos locos de la edad de oro por encima del melodrama de sus tramas predecibles con la elegancia y el estilo de las "farsas sexuales" más atrevidas que vendrían más tarde, elabora su historia combinando la técnica tradicional. conceptos antiguos basados ​​en los adornos de la época contemporánea; Los tropos y las expectativas se ven alterados por giros inesperados que enfatizan la comprensión moderna sobre las construcciones sociales sobre la “normalidad” y la inmutabilidad de la tradición.

Como estética, la colaboración de López con el director de fotografía Stephen Goldblatt (“The Hunger”, “Batman and Robin”) crea una manifestación cinematográfica de la novela que abraza plenamente tanto el idealismo sincero de las “comedias locas” de la época dorada como – que siempre trataban tanto de desafiar las normas sociales como de escapismo – y los romances estilísticamente elegantes de la década de 1950, tanto los exagerados melodramas socialmente relevantes de Douglas Sirk como las comedias picantes personificadas por la efervescente joya de Doris Day/Rock Hudson, “ Pillow Talk”, en una presentación cinematográfica repleta de la paleta colorida y los matices visuales casi surrealistas que caracterizan a todas las grandes comedias absurdas de la historia del cine moderno.

No nos equivoquemos, la adaptación cinematográfica de “Rojo, blanco y azul real” es una comedia ligeramente absurda en el sentido clásico. En un nivel, expresa sus puntos a través de la absoluta ridiculez de algunas de sus ridículas presunciones; por otro, los lleva a casa a través de una trama que se atreve a sugerir que una mera reformulación de nuestras expectativas es suficiente para hacer que la mayoría de nuestras objeciones al cambio sean anticuadas, si no completamente irrelevantes. ¿Qué podría ser una forma más identificable de transmitir eso que una historia sobre dos personas que se dan cuenta de que estar enamorados es lo suficientemente importante como para nadar contra una corriente abrumadora? Incluso las personas que no son queer pueden entender lo que es sentirse atraído por alguien por quien no tienes permitido sentirte atraído.

Estos temas, sin embargo, aunque están ahí para que los tome cualquiera que conecte los puntos para encontrarlos, nunca amenazan con dominar el tono sentimental de la película. Descaradamente idealista, descaradamente orientado a desencadenar todas nuestras reacciones emocionales más cálidas y placenteras y reforzar nuestras nociones sobre el inevitable poder del amor, juega de todo corazón con la esperanza y el humanismo con su insistencia en honrar el imperativo de la experiencia interior por encima del demandas impuestas por un mundo exterior. En la atmósfera actual de personalidad pública escrupulosamente manejada, una visión de la vida tan aparentemente básica pero en su mayor parte ignorada resulta no sólo refrescante sino también subversiva.

Todo esto sirve para dejar claro que, si bien “Red, White, and Royal Blue” puede parecer nada más que una emanación superficial y simplista de la cultura pop, contiene material sólido más que suficiente para que valga la pena para aquellos que Normalmente, podríamos evitar esas historias idealizadas y casi elitistas de privilegios en las que un estigma que es inevitable dentro de la mayoría de las jerarquías de clases puede superarse gracias a la fama, las ventajas económicas y (sí, admitámoslo) el atractivo. López, al poner en primer plano su propia experiencia queer, logra transmitir la auténtica perspectiva queer del libro de McQuiston, y eso es lo que eleva su adaptación de la novela por encima del nivel de lo típico. Nada de lo que escuchamos, vemos o sentimos es mera palabrería; todo proviene de una perspectiva genuina en la que “¿por qué no?” es una respuesta válida a la pregunta de si tales cosas son siquiera posibles.

Desde nuestro punto de vista, López es la verdadera estrella de la película, pero definitivamente todo el elenco merece felicitaciones, encabezados por los increíblemente bellos (aunque totalmente identificables) Pérez y Galitzine, cuyos considerables encantos superficiales reciben peso de la verdad emocional de sus actuaciones y la carga tangible de su química en pantalla. También es notable un papel secundario digno de premio de Sarah Shahi, como una subjefa de personal con los ojos puestos en el premio que hace todo lo posible para gestionar las consecuencias políticas de la aventura clandestina de Alex y Henry, y una aparición deliciosamente irónica de Stephen Fry, quizás superado sólo por Ian McKellen como el actor queer más destacado de Gran Bretaña, como un rey de Inglaterra que abraza la tradición. Thurman, que aporta el peso de su “presencia estelar” al papel, se convierte en una madre (y presidenta) más que comprensiva en una actuación que juega contra los tropos para encontrar un elemento humano que trascienda las preocupaciones de reputación y decoro.

Por supuesto, incluso si todos esos elogios surgen de una apreciación genuina de la destreza artística de la película, eso no significa que “Rojo, blanco y azul real” sea para todos. Si no eres fanático de las comedias románticas en general, o de las películas que incorporan una esperanza idealizada en sus mensajes con el supuesto fin de reforzar el sentimiento populista, es posible que aún así no sea de tu agrado.

Pero si te gustan las películas que imaginan el mundo como podría ser, en lugar del mundo tal como es, es un regalo sorprendentemente bienvenido que puede no ser un placer tan culpable como parece.

Nueva película es una 'bomba de la verdad' lanzada a través de un caballo de Troya color caramelo

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Cuando eres Barbie, todos los días son perfectos. Puedes hacer lo que quieras y ser lo que quieras ser, ya sea la modelo Barbie o la presidenta Barbie, y así son las cosas naturalmente.

Sin embargo, cuando no eres una Barbie, puede parecer más que un privilegio de Barbie.

Este es, por supuesto, un cambio de perspectiva emprendido por la cineasta Greta Gerwig en su última película, que lleva a la muñeca del título homónimo al “mundo real” para buscar respuestas después de que experimenta una crisis existencial inesperada, en un esfuerzo por convertir convertirlo en algo más profundo que un comercial de juguetes llamativo y exagerado disfrazado de éxito de taquilla en la pantalla grande. No es el único, pero es el más obvio, y tiene a la mayoría de los inexplicablemente vehementes detractores de la película fingiendo indignación por lo que consideran propaganda "despertada".

Es ciertamente cierto que “Barbie” está cargada del tipo de mensajes que los conservadores deploran. En el guión escrito por Gerwig y su socio Noah Baumbach, Barbieland existe a través de la imaginación de todos los niños que juegan con ella; todas las Barbie (y Ken) viven allí, pero la trama se centra en sus iteraciones "estereotipadas" (Margot Robbie y Ryan Gosling), quienes se ven obligados a enfrentar las diferencias entre la utopía idealizada en la que viven y la todavía lejos de serlo. realidad perfecta habitada por sus homólogos humanos. Barbie, abatida, sólo quiere volver a casa, pero Ken, después de ver un mundo donde los hombres parecen estar a cargo, se inspira con una idea diferente.

Esa premisa, no hace falta decirlo, le da a la película de Gerwig mucho material para el comentario cultural, y no contiene nada, ya que persigue a todos los objetivos habituales con alegría palpable, por lo que no sorprende que un segmento de la población se alborote por ello. .

Lo que es menos predecible, tal vez, es el nivel de animosidad dirigido hacia la película desde sectores que uno podría esperar que la acepten. Esto podría deberse a la imagen “problemática” de Barbie, que se ha visto empañada por décadas de críticas por parte de quienes (no sin razón) han criticado a la icónica muñeca –y a la empresa que la vende– por promover una imagen idealizada y definida por los hombres. de la feminidad y socavando su supuesto mensaje de empoderamiento femenino al crear simultáneamente una imagen corporal poco realista para las mujeres; Seamos realistas, hay personas a las que simplemente no les gusta Barbie, por estas razones y más, y nunca les gustará.

Sin embargo, dado que la película aborda claramente estas controversias e intenta superarlas hacia una manifestación más evolucionada del personaje, uno podría verse tentado a sospechar que hay algo más detrás de la aversión por la idea misma de esta película que obliga a tanta gente a menospreciarla. él, espontáneamente, en sus redes sociales; y desde entonces –a pesar de las desdeñosas declaraciones de superficialidad que se le han hecho, sin ser vista, desde el momento en que fue anunciada– “Barbie” va mucho más allá de las construcciones políticas previsiblemente divisivas de las llamadas “guerras culturales” en su ambicioso esfuerzo. ser más de lo que esperamos que sea, es posible que podamos profundizar más en esas profundidades por razones más reveladoras.

Para empezar, el camino que toma la película para resolver su trama pasa por muchas ideas que, para los más hastiados, pueden parecer fácilmente palabrería. La idea de que la empatía, que ver cómo es caminar en los zapatos de otra persona, puede solucionar todos los problemas del mundo es tan familiar que puede reducirse a un tópico; Es un sentimiento bonito, pero sólo el más romántico de los optimistas puede estar convencido de su credibilidad y quizás también de su sinceridad. Teniendo esto en cuenta, es fácil comprender por qué tantas personas podrían estar predispuestas a resistirse a su atractivo cálido y acogedor.

Luego está el muy publicitado aluvión de referencias cinematográficas (influencias a las que Gerwig ha dado una vertiginosa y exhaustiva variedad de descarados guiños en su tratamiento de “Barbie”) que surgen como “huevos de Pascua” de la primera secuencia de la película y continúan sin pausa. durante prácticamente todo su tiempo de ejecución. Desde “2001: Una odisea en el espacio” hasta “Blade Runner”, desde “El mago de Oz” hasta “Los paraguas de Cherburgo”, elabora con amor sus imágenes para evocar conexiones con innumerables clásicos que han dado forma a su evidente y magistral comprensión de la humanidad. cine, pero si bien pueden ser divertidos para los cinéfilos con predilección por las trivialidades, no hacen mucho para el espectador promedio que probablemente nunca ha visto nada dirigido por Jacques Demy, y mucho menos tiene conocimiento sobre su uso del color en la creación del “aspecto” de una película. De hecho, saber que tales elementos existen podría incluso parecer un esnobismo intelectual excluyente.

Aún así, después de experimentar la película de primera mano, esas razones nos parecen excusas, racionalizaciones para justificar una aversión que surge de algo más personal –y tal vez más incómodo– que las posturas retóricas que a menudo dominan el análisis y el juicio de una película o cualquier otro. forma de arte. Aunque no se disculpa por su adhesión a los ideales feministas ni a ninguno de los otros principios “liberales” fundamentales que abraza, se atreve a sugerir que los problemas del mundo no pueden resolverse simplemente alterando el status quo. Puede que haya bastantes chistes divertidos sobre "El Patriarcado" involucrados, pero cuando termina, "Barbie" plantea que derribarlo no es realmente la solución que muchos de nosotros imaginamos que es, y ese es un concepto aterrador. para cualquiera que esté interesado en la idea de que lo es.

Hay muchos momentos destacados en “Barbie” – y sí, puedes tomar eso como una recomendación inequívoca de la película, que para nosotros se siente como una “bomba de la verdad” disruptiva lanzada a través de un caballo de Troya de color caramelo al corazón de la cultura contemporánea. y presenta actuaciones soberbias y variadas, no sólo de sus dos protagonistas a menudo difamados, sino también de una gran cantidad de miembros secundarios del reparto como Kate McKinnon y America Ferrera (quien merece ser una de las favoritas en la carrera por el Oscar del próximo año gracias a una monólogo espectacular por sí solo), pero dos de ellos capturan su esencia. El primero es un intercambio tipo “Forrest Gump” entre Barbie y una anciana en un banco del parque, que consta de sólo seis palabras; Según se informa, el estudio quería eliminarlo, pero Gerwig, que insistió en tener un control creativo total antes de aceptar el trabajo, se negó a ceder. Es un toque trascendente y su poder va más allá de las palabras, así que lo dejaremos así.

El segundo llega más tarde, cuando Barbie le confía a una mujer misteriosa (Rhea Perlman) con la que se encuentra aparentemente por casualidad que "el mundo real no es lo que pensé que era", a lo que recibe la respuesta: "Nunca lo es".

Si se puede decir que “Barbie” tiene una moraleja, probablemente sea esa, y es una que ha sacudido a la humanidad hasta lo más profundo durante siglos.

¿Es de extrañar que tantos seres humanos, creyéndose seguros de sus ilusiones personales incuestionables y preprogramadas, no quieran escuchar ese mensaje?

Pero que sabemos? El gusto, como la vida misma, es una experiencia subjetiva y la única opinión que importa (al menos para ti) es la tuya.

Una mirada conmovedora a una obra emblemática de un brillante artista queer

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Si desconoce el nombre de Taylor Mac, podría evocar imágenes de alguna diva del pop incondicional, conocida por su fiereza de decir las cosas como son y su voluntad de sumergirse en su vida personal en busca de material, y en verdad. , no estarías del todo equivocado.

Mac, quien concibió, escribió y realizó la actuación épica en el centro del documental homónimo de HBO “Taylor Mac's 24-Decade History of American Popular Music”, es ciertamente difícil de clasificar con precisión, aunque se podrían usar cualquier número de etiquetas: actor, dramaturgo, artista de performance, director, productor, cantautor, para describir lo que hace Mac. Con la misma facilidad, uno podría invocar sus numerosos honores y reconocimientos (ganador de la beca “Genius” de la Fundación John D. y Catherine T. MacArthur, finalista del Premio Pulitzer, nominado al Tony) para transmitir lo bien que hace lo que hace. En realidad, ninguna de esas designaciones torpes y generalizadas transmiten quién es Mac o qué crea Mac, lo que podría entenderse más acertadamente como una mezcla que se une, según sea necesario, para crear algo mayor –o al menos, más provocativo– que la suma. de sus partes.

Desafiantes, nítidas en sus observaciones y comentarios sobre la cultura estadounidense, y deliberadamente confrontativas, las obras y actuaciones de Mac también están plagadas de absurdo, centrándose en una vena cómica y engañosamente cursi mientras deconstruyen las actitudes sociales que alimentan gran parte de nuestra cultura contemporánea. guerras culturales”. En ningún caso (al menos hasta la fecha) los dones de Mac se han destilado tan liberalmente en el tejido de una actuación en vivo como en el proyecto “24-Decade History”.

Creada en colaboración con el director musical Matt Ray durante aproximadamente una década, fue una obra maestra que se representó según lo previsto (como una experiencia teatral inmersiva de 24 horas frente a una audiencia en vivo) solo una vez, en St. Ann's Warehouse en Brooklyn en 2016. En parte arte escénico, en parte espectáculo teatral, en parte concierto, ofreció una visión alternativa de la historia de EE. UU., narrada a través de música que fue popular en la cultura estadounidense desde su fundación en 1776 hasta 2016. Construido sobre impresionantes y poderosas actuaciones musicales y salpicado de sorprendentes y una interpretación histórica reveladora, así como bromas cómicas e interacción con la audiencia que trasciende la forma, tejió una narrativa compilada "entre líneas" de la historia común, exponiendo cosas como la intolerancia casual en el corazón de muchas de las primeras canciones populares de Estados Unidos. y la misoginia y homofobia que ha seguido impregnando su música hasta el día de hoy; se dedicó una hora a cada década, con Mac ataviado con un elaborado traje nuevo y específico de la era, diseñado por su colaborador Machine Dazzle e incorporando referencias humorísticas a la vida estadounidense en cada una de las 24 décadas cubiertas en el programa, para cada una; cada hora, uno de los 24 músicos en el escenario abandonaba el escenario, hasta que Mac, solo y sin compañía excepto por un ukelele, se quedaba solo para interpretar canciones originales durante la última hora. Fue un evento electrizante, "tenías que estar allí", un verdadero hito en el teatro estadounidense que le valió a Mac los premios Tony y Pulitzer antes mencionados, pero a menos que fueras parte de la multitud en St. Ann's Warehouse durante esas 24 horas. rendimiento de maratón, nunca podrías “estar ahí” tú mismo.

Ahora, gracias a HBO (y Max, donde el documental se transmite actualmente para suscriptores), al menos puedes acercarte. Dirigido por Rob Epstein y Jeffrey Friedman, quienes también produjeron, “Taylor Mac's 24-Decade History of American Popular Music”, ofrece la oportunidad de experimentar el espectáculo en todo su esplendor subversivo y extrañamente conmovedor, o al menos, unas “Notas del acantilado”. ”Descripción general de sus aspectos más destacados, con el tipo de intimidad cercana y personal que ni siquiera aquellos que lo vieron en vivo experimentaron. Intercalado con imágenes de entrevistas de Mac, así como de los colaboradores Ray, Dazzle, el codirector de escena Niegel Smith y otros, proporciona información sobre las decisiones técnicas detrás de escena que estaban orientadas a mejorar y amplificar los temas del programa, pero aun así encuentra mucho tiempo para documentar las magníficas actuaciones musicales de Mac y otros músicos, como las cantantes Erin Hill, Steffanie Christi'an, Heather Christian, Thornetta Davis y Anais Mitchell, entre otros, sin mencionar la orquesta de 24 integrantes del espectáculo y un gran cantidad de miembros de la audiencia sorprendentemente cooperativos.

Por supuesto, no puede considerarse un sustituto de ver toda la producción de 24 horas, que fue recreada en segmentos de seis horas (las imágenes de algunos de ellos se utilizaron en la película junto con el material filmado durante la producción original) para una posterior película nacional. gira después de la actuación de St. Ann. Aun así, logra mejor que la mayoría de los documentales de performance capturar la energía eléctrica de una actuación en vivo de alguien tocado por el genio, como seguramente lo es Mac, lo que en última instancia sirve al verdadero propósito de la película al documentar una visión queer de la historia que la heteronormativa " "la corriente principal" preferiría permanecer enterrada.

Aquellos que podrían objetar las pepitas de conocimiento bien investigado y la interpretación contemporánea que Mac teje en la trama de su actuación probablemente se encuentren entre aquellos que se sienten confundidos por el pronombre preferido de la estrella –que es “judy”– y no del todo abiertos a el tipo de presentación que usa judy para transmitir su punto de vista. Sin embargo, la audacia con la que Mac infunde la personalidad escénica de Judy rápidamente elimina las nociones de "inapropiado" o "lascivo" para dejar en claro que la intención de Judy es simplemente aullar la verdad del mundo de Judy tan fuerte como lo ha hecho Judy, y si parte de ella hace que algunos conservadores del medio oeste se aferren un poco más a sus perlas, bueno, eso parece mucho mejor dada la agenda claramente expresada de Mac.

Esa agenda, tal como la estableció el talentoso Mac desde el principio, es para recordarnos que nuestra historia como estadounidenses está en la historia de nuestras canciones, y que es una historia moldeada por los desvalidos y los forasteros que vieron una visión de un mundo mejor más allá. las mentalidades tóxicas y las jerarquías sociales que impiden que muchos, si no la mayoría, de los seres humanos logren algo parecido a la verdadera libertad promocionada por los antepasados ​​de nuestra nación en sus años de gestación. "Me encanta la idea de que un cuerpo queer pueda convertirse en la metáfora de Estados Unidos", le dice Mac a la cámara (y al público en vivo), y procede a recordarnos que es el sentido de comunidad, de necesidad compartida, lo que nos comunica a través del paisaje musical forjado por nuestra cronología nacional.

Por supuesto, el documental, que ofrece una poderosa muestra de las carismáticas y talentosas habilidades interpretativas de Mac y compañía con canciones desde “Yankee Doodle” y “My Old Kentucky Home” hasta “Gimme Shelter” y “Born to Run”, también es tremendamente entretenido. , y eso tampoco es malo. En cualquier caso, es un documento conmovedor y memorable de una obra emblemática de uno de los artistas queer más brillantes de Estados Unidos, lo que lo hace esencial para ver en lo que a nosotros respecta.

Audible lanza espectacular adaptación de tres horas de su querido cómic

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Es difícil ser fanático de Wes Anderson.

Si eres uno, sabes exactamente de qué estamos hablando. Amar el trabajo del cineasta más excéntrico de Estados Unidos significa aceptar el hecho de que siempre habrá un número significativo de personas que no lo soportarán, y que cualquier esfuerzo por explicar por qué te gustan sus películas a alguien a quien no le gusta tiene casi tanto efecto. Hay mucho potencial para generar divisiones como conversación sobre política, aunque hay que reconocer que lo que está en juego es mucho menor.

También significa soportar el hecho de que su peculiar estética como director, que ha sido parodiada durante décadas por programas de televisión como “Los Simpson” y “SNL” y se ha convertido en la inspiración de una explosión masiva de parodias asistidas por IA en todas las redes sociales. – ahora está consagrado en la cultura popular como un blanco fácil para la sátira, casi con certeza más conocido para la gente como el blanco de una broma que como el trabajo elegante de un autor meticuloso. Sin embargo, para ser justos, los chistes suelen ser divertidos y muchos de esos envíos fueron hechos por los propios fanáticos de Anderson, rindiendo homenaje al estilo cinematográfico singularmente feérico que aman.

Lo último del director,"Ciudad Asteroide" está destinado a proporcionar material considerable tanto para debates acalorados como para sarcasmos de alto concepto; de hecho, es una “película de Wes Anderson” tal que a veces da la sensación de que se está burlando de sí misma, y ​​si eso es algo bueno o no puede depender de cómo se siente en general acerca de las películas de Wes Anderson.

Explicarlo es complicado, pero lo intentaremos.

La mayor parte de la película tiene lugar en una ciudad turística ficticia en el suroeste de Estados Unidos, construida alrededor del lugar del impacto de un antiguo meteorito, en 1955; narra un evento inesperado y misterioso que ocurre allí durante una convención de astrónomos jóvenes, así como el impacto posterior que tiene en sus vidas. Sin embargo, la ciudad ficticia en sí también es ficticia: es creación del célebre dramaturgo de mediados de siglo Conrad Earp (Edward Norton), y la historia que estamos viendo es, de hecho, su obra más famosa; La película narra simultáneamente esa saga de fondo, contada a través de una serie de antología televisiva antigua, completa con “recreaciones” de episodios cruciales que tuvieron lugar durante la creación y producción de la obra en sí.

En cuanto a los personajes, la atención se centra en el ex fotógrafo de guerra Augie Steenbeck (Jason Schwartzman), cuyo genio hijo adolescente (Jake Ryan) será homenajeado en la convención. También está una famosa estrella de cine (Scarlett Johansson) y su hija (Grace Edwards), otra homenajeada. Otros en la mezcla incluyen al suegro desaprobador de Augie (Tom Hanks), un general del ejército que actúa como anfitrión del evento (Jeffrey Wright), el tranquilo mecánico de la ciudad (Matt Dillon), el cortés y brillante astrónomo a cargo del observatorio local. (Tilda Swinton) y el astuto gerente (Steve Carrell) del único motel de la ciudad, donde se aloja todo el séquito visitante. Fuera de la acción, por así decirlo, también conocemos al talentoso director de escena (Adrien Brody) y al maestro de interpretación pionero (Willem Dafoe), que ayudó a darle vida a la obra, y al austero pero amigable presentador de televisión (Bryan Cranston), que aparentemente lo preside todo. Y estos son sólo los más destacados de las dos docenas de personajes importantes de la película.

Todo eso parece mucho, incluso para una película de Wes Anderson, que normalmente presenta un gran conjunto de actores en una historia que toma giros impredecibles (y a menudo absurdos). Si se tiene en cuenta el elemento de homenaje cursi a las nostálgicas películas de ciencia ficción de antaño, con ovnis y todas las teorías de conspiración extraterrestre que llevan consigo, se hace evidente que hay muchas capas aquí.

Sin embargo, esos elementos son simplemente una premisa, una presunción que establece las reglas de un juego que procede a obtener aún más “meta” a partir de ahí. Los actores aparecen en roles duales, tanto como su personaje en la narrativa central como como los artistas ficticios de la vida real que los retratan; hay una inversión de estilos que parece encajar sobre sí misma, en la que una obra de teatro se vive como una película contemporánea, la historia “verdadera” de dicha obra de época se configura como un documental de televisión de época y se presentan supuestos acontecimientos de la vida real. como escenas de una obra de teatro, un patrón de salón de espejos que sugiere la cuarta perspectiva invisible de una audiencia de la vida real, es decir, nosotros, viendo la película misma. Resulta que la película de Anderson tal vez esté destinada a tratar sobre nosotros, todo el tiempo.

Incluso si esa interpretación es acertada, todavía hay mucho espacio para el estilo característico de Wes Anderson, en este caso llevado a nuevas alturas de exageración; la familiar paleta de colores pastel ahora está hipersaturada, evocando postales antiguas teñidas a mano o el escabroso tecnicolor del cine de los años cincuenta; esa conexión se ve subrayada por innumerables guiños a películas icónicas de la época, incluida la imagen de Johansson como una rubia gélida inspirada en Hitchcock y una diosa del sexo terrenal al estilo Ava Gardner, con una pizca de Liz Taylor en buena medida.

Luego está el hecho ineludible de su ambientación de mediados del siglo XX, que evoca no sólo el tipo de cursi "pánico alienígena" que las películas de ciencia ficción "Asteroid City" satirizan cariñosamente, sino también la fuerte corriente de trauma mundial que surgió en las artes y la cultura. de la época. Después de dos guerras mundiales y una bomba que introdujo la amenaza permanente del fin del mundo nuclear en su psique, la humanidad estaba (comprensiblemente) preocupada por encontrar significado en un universo que de repente se sentía indiferente, y los artistas de la época lideraron la búsqueda. Dado que el desconcertante reensamblaje posmoderno de estos elementos por parte de Anderson se centra en una obra maestra teatral imaginada que surgió dentro de ese espíritu de la época, es difícil no ver una conexión con nuestro propio tiempo, cuando nuevas amenazas diarias nos obligan a soportar un estado similar de Crisis existencial perpetua. En cualquier caso, la familiar mezcla de Anderson de fantasía precoz y nostalgia melancólica está teñida esta vez con una tristeza más profunda, incluso si efectivamente se contrarresta con un corazón alegre.

Lo que nos sorprende a un nivel más personal, sin embargo, es el sutil pero significativo núcleo queer que surge de la creación de la obra dentro de la película por un genio trágico al estilo Tennessee Williams, cuyo supuesto queer se confirma en una escena demasiado exquisita. orquestado para estropear. Parece un toque menor, pero en lugar de un esfuerzo simbólico de inclusión, se siente como un guiño a la influencia no reconocida de los artistas queer, cuyo estatus de outsiders a lo largo de la historia les ha otorgado un ojo de observador y ha desempeñado un papel importante al mostrarle al resto de la sociedad. las cosas que podría tener problemas para ver por sí mismo, como siempre lo han hecho los mejores artistas.

Podríamos decir más sobre esta película: las actuaciones sublimes, que manejan una riqueza de rango emocional dentro de los parámetros "andersonianos" de la expresión inexpresiva del elenco; el paisaje increíblemente kitsch hecho a mano; el humor autorreferencial que burbujea bajo gran parte de lo que aparece en la pantalla, pero no lo haremos. Si eres fanático, querrás revisar los detalles por ti mismo.

Si no es así, sabemos que nada de lo que podamos decir lo convencerá de verlo de todos modos, y probablemente sea lo mejor.

A pesar de carecer de contenido queer, el nuevo documento es un divertido paseo por el pasado

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“Being Mary Tyler Moore”, un nuevo documental de 1 hora y 59 minutos, dirigido por James Adolphus, que se transmite por las plataformas HBO, es un regalo de San Valentín para Moore. Es imposible resistirse a sus encantos y hay algo de sal en medio de su dulzura. Vale la pena ver y escuchar (aunque solo sea en clips breves) a Valerie Harper, Cloris Leachman, Betty White y otros íconos queer hablar, pasar el rato y actuar con Moore. Al igual que los momentos en los que Moore dice francamente lo que está pensando. Como cuando derrota a David Susskind, un presentador de un programa de televisión de los años 60.

Moore, que murió a los 80 años en 2017, protagonizó “The Dick Van Dyke Show” y “The Mary Tyler Moore Show”, dos de las mejores comedias televisivas. Recibió un Tony especial por su papel en la obra de Broadway "Whose Life Is It Anyway?" y fue nominada al Oscar a la Mejor Actriz por su trabajo en “Ordinary People”.

Para muchas mujeres y queers, Moore era una feminista y/o un ícono queer.

El documental comienza con el derribo de Susskind por parte de Moore. En un clip de una entrevista de 1966, Susskind le hace a Moore preguntas descaradamente sexistas. Se lamenta de que, en su opinión, las mujeres casadas no escuchen a sus maridos. Después de aguantar su condescendencia, Moore habla. Betty Friedan, autora de “The Feminist Mystique” tiene razón, le dice a Susskind. Las mujeres, dice Moore, deberían ser “primero un ser humano, después una mujer y, en tercer lugar, esposas y madres”.

No hay un narrador para "Being Mary Tyler Moore". Esto, al principio, resulta desconcertante. Pero, aunque al documental le habría beneficiado tener un narrador, no le falta coherencia. A través de imágenes de archivo de entrevistas televisadas de Moore (con Rona Barrett y Dinah Shore) y audio, junto con algunos videoclips de colegas, amigos y familiares hablando e interactuando con Moore, se nos ofrece una ventana a la vida y carrera de Moore.

Es divertido ver clips de Moore cantando y bailando con Dick Van Dyke. Si creciste viendo “The Mary Tyler Moore Show”, los clips del documental del programa te traerán buenos recuerdos. Aquellos que nunca han visto MTM sabrán por qué a sus mamás y abuelas les encantó la serie. Al ver a Moore arrojar su boina al aire en el clip de los créditos de “The Mary Tyler Moore Show”, recordé el salvavidas que fue Mary Richards para las feministas de la segunda ola.

Aunque es un retrato amoroso, el documental no deja de lado la lucha de Moore contra el alcoholismo o lo disfuncional que era su familia cuando ella era niña.

Moore se casó con el Dr. Robert Levine en 1983. Levine, quien fue su marido hasta su muerte, fue productor del documental. Debido a esto, el documental tiene encantadoras películas caseras de Moore con sus perros y en su despedida de soltera (donde Betty White participa en el asado de la futura novia).

El documental destaca la magnífica interpretación de Moore en “Ordinary People” de una madre fría, enojada y afligida, y de una mujer paralizada en “Whose Life Is It Any Way”.

Pasando de lo sublime a lo cursi, hay un clip de Moore con Elvis Presley en la película de 1969 “Change of Habit”.

“Being Mary Tyler Moore” es revelador sobre el impacto de “The Mary Tyler Moore Show” en las mujeres. Es decepcionante que incluya poco sobre el impacto que tuvo la serie en los queers. La serie, que se emitió en la década posterior a Stonewall, cuando la televisión retrataba a las personas LGBTQ+ como criminales, “enfermos” o mariquitas, fue una de las primeras en la televisión en representar la homosexualidad de manera positiva. El documental no tiene ningún clip del episodio “My Brother's Keeper”.

En ese episodio, transmitido cuando ser homosexual era ilegal en la mayoría de los estados, Ben, el hermano de Phyllis, la visita. Phyllis dice: "Me siento muy aliviada" cuando se entera de que Ben no se casará con Rhoda, su némesis, porque es gay.

"¿Qué es una familia?" pregunta Moore (como Mary Richards) en un clip que aparece en el documental, "¿pero la gente que se preocupa por ti?" Esta línea ha hablado a generaciones de queers.

A pesar de mi objeción con su cociente extraño, este documental se conserva. En un momento de reacciones violentas contra la libertad reproductiva de las mujeres y los derechos LGBTQ, “Being Mary Tyler Moore” es relevante y entretenido.

Tour-de-force es la película más actual de este mes del Orgullo

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El Orgullo es una celebración, pero incluso en un mes del Orgullo lleno de triunfos tangibles en el frente político, es importante recordar ese odio y la homofobia que parecen estar filtrándose constantemente bajo la superficie de la sociedad, listos para estallar tan pronto como las cosas mejoren. Lo suficientemente caliente, razón por la cual “Blue Jean”, de la cineasta británica Georgia Oakley, podría ser la obra de cine más oportuna que existe este junio, a pesar de que tiene lugar hace tres décadas y media.

Ambientada en la ciudad de Newcastle, en el norte del Reino Unido, en 1988, cuando el gobierno conservador de Margaret Thatcher está a punto de aprobar la "Sección 28" (una serie de leyes que prohíben la "promoción de la homosexualidad"), toma su título del nombre de su protagonista. personaje, Jean (Rosy McEwen), que trabaja como profesora de gimnasia en una escuela de secundaria. Divorciada y encerrada en el armario, su sexualidad sólo la conoce su comunidad “segura” de amigos, pero la nueva legislación, con su impacto potencial en su carrera y sustento si quedara expuesta, le provoca una ansiedad cada vez mayor por mantener en secreto su vida queer.

Cuando una nueva estudiante llamada Lois (Lucy Halliday) aparece en clase, y luego en el bar gay donde Jean sale con su grupo de lesbianas, incluida su novia Viv (Kerrie Hayes), las cosas llegan a un punto crítico para Jean. Aunque se forma una conexión con Lois, que necesita desesperadamente un mentor que la ayude a superar sus extraños dolores de crecimiento, ella trata de mantener la distancia, mientras miente a su familia y a sus amigos del trabajo para evitar socializar con ellos, aterrorizada por cualquier revelación accidental.

Es una situación insostenible y las cosas comienzan a desmoronarse en su vida personal con la desafiante y orgullosa Viv. Finalmente, un incidente entre Lois y una compañera de clase llamada Siobhan (Lydia Page) obliga a Jean a tomar una decisión: defender la verdad y arriesgarse a exponerse o seguir la narrativa "oficial" para preservar su propia seguridad a expensas de un estudiante –y compañero queer– que confía en ella.

Tomando prestada una página de la valiente Nueva Ola británica de principios de la década de 1960, a través del estilo distante y observacional de cineastas británicos posteriores como Terence Davies y Andrew Haigh, “Blue Jean” apunta al impacto de la opresión homofóbica centrándose en el efecto que tiene. tiene sobre un solo individuo. Jean no es una persona que todavía lucha con su identidad sexual, pero la posibilidad muy real de que su vida sea destruida por ello la hace actuar en contra de su mejor naturaleza. Tal como lo presenta Oakley, es un estudio de personajes que ilumina el dilema creado cuando nos vemos obligados a camuflar nuestro yo auténtico en aras de la autoconservación; se reduce a un conflicto entre nuestro instinto de supervivencia y nuestra necesidad de autorrealización, el miedo por nuestra propia seguridad frente a la solidaridad con nuestra propia comunidad y la compasión por otros que caen en el punto de mira de la intolerancia. No es bonito, pero al mismo tiempo nuestra empatía no puede evitar dejar espacio para Jean, incluso cuando sus decisiones son más cobardes. Después de todo, cuando nos enfrentamos unos a otros en una lucha simplemente por sobrevivir, ¿cuántos de nosotros podemos decir que no actuaríamos movidos por las mismas motivaciones egoístas?

¿Su condición de víctima de la opresión política y social la excusa por su renuencia a ser visible, cuando otros a su alrededor –entre ellos su propia pareja y un estudiante de la mitad de su edad– eligen un camino más desafiante? Ésa es una cuestión de opinión subjetiva y no es el punto. Lo que importa es que sus elecciones no provienen de un deseo interno de adherirse al status quo, sino de un temor no infundado de que una vida que ella misma ha trabajado duro para construir sea derribada por razones sobre las que no tiene control. En un mundo que la aceptara tal como es, no habría razón para siquiera considerar fingir ser otra cosa. La culpa no reside en alguna debilidad de carácter, sino en la estigmatización de mente cerrada impuesta por una cultura diseñada precisamente para hacerla ajustarse a la “norma” social.

Aún así, muchas audiencias pueden encontrar “Blue Jean” un asunto frustrante debido a la reticencia de su personaje principal a “hacer lo correcto” no sólo por su comunidad sino también por su novia, y apoyar a aquellos a su alrededor que están dispuestos a desafiar sus opresores simplemente por estar fuera. Es una perspectiva fácil de adoptar en un momento y un lugar donde la aceptación es la actitud predominante, incluso si la ubicación es un factor decisivo a la hora de decidir dónde pasar esas “vacaciones gay” de verano evitando al mismo tiempo grandes extensiones del país y del mundo, pero la perspectiva de Jean Sin duda, el dilema es mucho más identificable para quienes viven fuera de los centros urbanos, donde los refugios queer son lo suficientemente comunes como para darse por sentado. Además, un refugio está muy bien, pero podría decirse que un sueldo ocupa un lugar más alto en la jerarquía de necesidades y, en la realidad de Jean, ese es el punto débil predominante que restringe cualquier esfuerzo que desee hacer para vivir una vida más auténtica (y ética). vida.

Recorriendo un largo camino para que la película de Oakley (que es, por cierto, su debut como directora) logre su gran objetivo de invocar empatía por aquellos que todavía están atrapados por circunstancias personales en una existencia encerrada, McEwen ofrece una experiencia devastadora, inteligente y y desempeño profundamente genuino en el papel central; Su Jean es identificable, comprensivo y comprensible en todo momento, sin importar cuánto deseemos que ella dé un paso al frente. Es una hazaña y una ventana a una mentalidad que, si bien puede no tener tanto poder real en el mundo de hoy como podría haber tenido en Gran Bretaña en 1988, continúa poniendo obstáculos en nuestro camino en cada paso que damos. el camino. Si no fuera por el propósito decidido que se desprende del guión y la claridad como directora de Oakley, “Blue Jean” le pertenecería completamente; tal como están las cosas, su actuación sigue siendo un retrato fascinante y profundamente revelador de alguien que intenta actuar como si todo estuviera “bien” mientras la casa que la rodea está siendo quemada hasta los cimientos por personas que quieren legislar para que ella y los de su especie desaparezcan. . Seamos realistas, todos podemos encontrar algo parecido en esto.

En cuanto a cómo resulta todo, obviamente no vamos a estropear nada de eso, aunque mencionaremos que la película no termina con la misma resignación enojada pero desesperada que dejan tantas películas con ideas afines. Más allá de eso, todo lo que podemos decir es que “Blue Jean” nunca sucumbe a la tentación de juzgar el pasado según los estándares del presente – y dado que no hace falta mucha imaginación para reconocer la similitud entre la “Sección 28” de Thatcher y la de Florida Ley "Don't Say Gay", tampoco hace falta mucho para ver cómo funciona la película de Oakley, que ganó el premio People's Choice Award en el Festival de Cine de Venecia y fue nominada al BAFTA como mejor debut de un escritor, director o productor británico. – Toca una nota escalofriantemente apropiada en los Estados Unidos de hoy.

La problemática estrella no binaria Ezra Miller ofrece una actuación espectacular

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No es frecuente que en Blade nos sintamos obligados a reseñar una película de franquicia de Hollywood "grande". Eso no es un juicio; lo que pasa es que este tipo de películas se hacen para complacer al público objetivo, no a los críticos. A los fans les va a gustar lo que les gusta, independientemente de lo que pensemos.

Pero “The Flash”, la última entrega de la franquicia cinematográfica de DC Comics, que se estrenó oficialmente en los cines el 16 de junio, es algo diferente.

No queremos decir que no sea una película de franquicia típica; de hecho, gran parte de la película, una película en gran medida independiente del “Universo Extendido” de DC, se alinea, como era de esperar, con la habitual narración melodramática que refuerza los valores y que impulsa casi todas las películas de superhéroes jamás realizadas. Sigue los esfuerzos del personaje principal, cuya verdadera identidad es la de Barry Allen (Ezra Miller), un joven científico forense que trabaja para demostrar la inocencia de su padre encarcelado en el asesinato de su madre, mientras utiliza su velocidad sobrehumana para retroceder en el tiempo e intentar para evitar el incidente que causó su muerte en primer lugar, en contra del consejo de su amigo y mentor de la Liga de la Justicia, Batman (Ben Affleck, retomando el papel). Por supuesto, las cosas no salen tan bien como se planeó y Barry, sin darse cuenta, se lanza a una línea temporal alternativa donde la supervivencia de su madre es sólo uno de muchos cambios significativos (y potencialmente catastróficos). Se ve obligado a formar equipo con su yo más joven (también Miller), así como con una versión de realidad alternativa de Batman (Michael Keaton, que también retoma el papel), para arreglar las cosas, lo que no sólo implica encontrar un camino de regreso a su propia línea del multiverso, pero ayudando a prevenir un apocalipsis que sin darse cuenta ha causado en el nuevo.

Como entrega del tapiz más grande que el DCEU va tejiendo sobre la marcha, “The Flash” representa un cambio considerable, en el sentido de que adopta un tono mucho más claro que la oscuridad vanguardista que ha marcado a la franquicia desde que se creó. se lanzó con “El hombre de acero” del cineasta Zack Snyder. La oscura visión de Snyder de los personajes y las historias fue un punto de discordia tanto para el estudio como para los fanáticos desde el principio, lo que finalmente condujo a la debacle de la “Liga de la Justicia” de 2017, un notorio fracaso de taquilla después de haber sido reestructurado por el director Joss Whedon luego de la partida de Snyder. del proyecto debido a una tragedia familiar, y generó opiniones divididas entre los fanáticos de DC sobre la incongruencia entre estilos. Una “versión del director” posterior de Snyder (lanzada en 2021), aunque recibió una respuesta más amigable de los fanáticos, generó opiniones muy variadas sobre qué enfoque preferían.

Sin embargo, con “The Flash”, la franquicia ha adoptado por completo el toque más ligero. Dirigida por Andy Muschietti a partir del guión de Christina Hodson, no pierde el tiempo en establecer un estilo irónico y autorreferencial, interpretando la aventura inicial de Barry en la película: lidiar con el daño colateral de la captura exagerada de Batman. un aspirante a bioterrorista, sobre todo para reírse vertiginosamente. Es una secuencia que, si hubiera tenido la tecnología para hacerla realidad, habría parecido perfecta en una de las elaboradas comedias mudas de Buster Keaton.

Ese hilo cómico está presente en todas partes, dándole a la película una sensibilidad casi camp (no la accidental, sino la verdaderamente deliciosa e intencional) y un dinamismo general que tiene más en común con las películas ligeras de superhéroes del pasado que con "Dark" de Christopher Nolan. Knight” o las películas de “Avengers”, aunque vale la pena señalar que ocasionalmente evoca una comparación con las casi ridículas películas de “Thor” de Taika Waititi. De hecho, a veces, se siente casi como una parodia del género en sí, usando clichés y convenciones familiares, así como los ahora obligatorios “huevos de Pascua” de los fanáticos, aquí llevados a un nivel exponencial por el regreso bromista de la icónica canción de Keaton. Batman (interpretado con obvio gusto en un destacado papel secundario), sin mencionar algunos otros guiños "sorpresa" a versiones anteriores del canon cinematográfico de DC, no solo para burlarse de las películas de superhéroes en general, sino a veces incluso de las buenas. trollear naturalmente a la propia audiencia.

Esto, por supuesto, puede no sentar bien a los fanáticos que favorecen un enfoque más solemne y serio del material; pero "The Flash" todavía se toma a sí mismo lo suficientemente en serio como para ofrecer una historia que, aunque poco original (una vez más, parte de los fundamentos "meta" deliberados de la película), proporciona suficiente drama, acción y un desarrollo de personajes razonablemente sólido para satisfacer al público más interesado en apoyar a sus héroes de cómic en lugar de reírse de ellos, aunque hay que mencionar que algunos de los efectos especiales parecen extrañamente rudimentarios, especialmente en comparación con la impresionante fluidez de las muchas escenas del "doble Barry" de la película. Además, es lo suficientemente inteligente como para utilizar su exploración del viaje en el tiempo como una analogía lo suficientemente sutil para gestionar (o más bien, aceptar) las consecuencias de nuestras acciones en el rincón de la vida real del multiverso en el que aparentemente estamos. atascado, y eso contribuye en gran medida a que todo se sienta como mucho más que una fantasía juvenil de cumplimiento de deseos.

Ninguna de estas, sin embargo, es la razón por la que “The Flash” se siente digno de mención para Blade; Para muchos de nuestros lectores (al menos entre ellos los fanáticos que no son fanáticos de los superhéroes), su punto de interés probablemente radica en su estrella: Miller, quien es la primera persona no binaria en desempeñar el papel principal en una importante película de franquicia de superhéroes. Reconocidos por su inteligencia, intensidad e imaginación desde el comienzo de su carrera, que incluyó papeles destacados en "Necesitamos hablar de Kevin" y "Las ventajas de ser un marginado", aquí traen esos dones a la mesa con toda su fuerza, interpretando a dos Las versiones de Flash se enfrentan a sí mismas con lo que parece gracia y precisión sin esfuerzo: adjetivos adecuados para describir una actuación que también resalta su habilidad como intérprete físico. Es un tour-de-force atractivo y entrañable que posiblemente impulsa la película por su propia fuerza; y como beneficio adicional, la inclusión de nuestra actriz Kiersey Clemons como el interés amoroso de Flash le da una bienvenida sensación de rareza a la pareja que mejora, en lugar de socavar, su química juntos.

Sin embargo, el triunfo de Miller podría ser agridulce; su muy publicitada conducta inestable fuera de la pantalla (sobre la cual no entraremos en detalles aquí, salvo decir que involucra arrestos y citaciones por acoso, asalto y robo, así como acusaciones de comportamiento aún más preocupante) los ha convertido en una responsabilidad para la franquicia de DC, que supuestamente consideró archivar la película antes de que su estrella se disculpara por sus acciones y aceptara iniciar tratamiento por problemas de salud mental. Su continuación en el papel en futuras películas –y probablemente también en su carrera actoral– depende del éxito de ese tratamiento.

Aunque es comprensible que muchos fanáticos de DC puedan oponerse a la participación de Miller en la franquicia debido a la naturaleza de algunas de las acusaciones en su contra, “The Flash” es una amplia evidencia tanto de su talento excepcional como de su atractivo estelar. Dejando a un lado la representación queer, sería una verdadera pérdida para ellos verse afectados por la salud mental, y nosotros, como todos sus demás fanáticos, apoyamos a Miller.

Mientras tanto, la mejor manera de mostrar apoyo podría ser simplemente ir a ver “The Flash”, que es lo suficientemente inteligente y entretenida como para que la disfruten incluso aquellos a quienes no les gustan las películas de superhéroes, y posiblemente les guste a quienes sí les gustan.

Prueba cinematográfica de que la homofobia amenaza a millones de personas en todo el mundo

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El Orgullo es un momento para celebrar, por supuesto, pero también es un momento para recordar la lucha, y la lucha que continúa en todo el mundo por el derecho de las personas LGBTQ a vivir libremente tal como son. Esta semana, Blade echa un vistazo a dos nuevos lanzamientos internacionales que nos recuerdan que, para muchas personas, la homofobia todavía amenaza a millones de personas queer en todo el mundo.

En primer lugar, del cineasta italiano Pasquale Marrazzo, llega"El vecino"(titulado “Hotel Milano” en Italia y disponible en formato digital/DVD a partir del 6 de junio), un drama de observación crudamente elaborado y sumamente elaborado sobre una pareja gay, Riki (Michelle Costabile) y Luca (Jacopo Costantini), cuya historia de amor se ve sorprendida por la violencia. .

Después de que un incidente de ataque a homosexuales deja a Luca con soporte vital en un hospital, su familia se niega a permitir que Riki vaya a verlo, aunque la hermana de Luca, Rachelle (Luisa Vernelli), es lo suficientemente comprensiva como para mantenerlo informado sobre el estado de su pareja mientras lucha por su vida en un coma inducido médicamente. Entre suplicarle que intervenga en su nombre ante la profundamente religiosa madre de Luca (Lucia Vasini) y defenderse de los esfuerzos de ayuda y consuelo de su propia madre emocionalmente necesitada (Rossanna Gay), recuerda momentos decisivos de su relación, así como largos -secretos reprimidos en su historia personal- mientras intenta aceptar, por sí solo, la posibilidad de una pérdida impensable.

En términos de peso cinematográfico, Marrazzo cumple con estilo, utilizando magistralmente flashbacks para infundir matices a medida que avanza la historia hacia lo que parece una conclusión inevitable. Con mirada astuta, se centra en las formas en que la vergüenza y el juicio basados ​​en formas "prohibidas" de sexualidad esparcen su veneno en la vida íntima de todas las personas a las que tocan.

No hace falta decir que es bastante sombrío. Algo así como una hermana espiritual de “Brokeback Mountain”, la desgarradora historia de Marrazzo presenta una dura acusación de odio e intolerancia apoyándose en el conocido tropo del victimismo queer, un cliché que, lamentablemente, todavía suena cierto a pesar de décadas de avances en la lucha mundial por aceptación – y pidiéndonos que soportemos, junto con sus protagonistas, un peor escenario impensablemente duro para iluminar el impacto de la intolerancia y el odio que se esconden detrás de él. Es una película que, si Hollywood la hubiera hecho, podría tratar sobre el triunfo del amor; pero desprovisto de esa magia especial del cine estadounidense y, en cambio, impregnado de un neorrealismo italiano que se remonta a los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, ofrece una refrescante y nada sentimental historia al estilo de "Romeo y Julieta" sobre un amor condenado por una mentalidad basada en en odio.

Con actuaciones superlativas de Costabile y Costantini, que hacen que el problemático Riki y el sincero Luca, respectivamente, se sientan desgarradoramente auténticos tanto como pareja como individualmente, y un elenco uniformemente sobresaliente de jugadores disponibles para brindar apoyo, es una poderosa y apasionante pieza de cine que evita complacer el romanticismo para transmitir su mensaje sobre las tragedias que podrían evitarse en un mundo menos obsesionado con juzgar a los demás por nuestras propias creencias personales, ya sean "profundamente arraigadas" o no.

También es despiadadamente sombrío; Si bien comienza y termina con ternura y positividad mientras sus dos jóvenes amantes disfrutan felizmente de estar juntos en un parque, nos brinda una perspectiva intransigente y a veces casi insoportablemente desesperada sobre el impacto que un prejuicio cultural tradicionalmente religioso y profundamente arraigado puede tener incluso en los seres humanos. la mayoría de las vidas privadas de cualquiera que viva fuera de esa norma rígida. Para el público estadounidense –especialmente aquellos que tienen la suerte de vivir dentro de “burbujas” urbanas donde las realidades del prejuicio anti-queer rara vez interfieren con nuestra capacidad de vivir sin miedo al estigma o algo peor– eso podría parecer un poco un retroceso; Sin embargo, en la tierra natal de Marrazzo, donde un giro hacia el extremismo de derecha (liderado por la primera ministra nacionalista Giorgia Meloni) ha encontrado un entusiasta apoyo entre la población católica del país, podría parecer más bien una súplica desafiante a la compasión y la humanidad, dirigida a abrir corazones y mentes en lugar de capitalizar el pesimismo autoprofético del adoctrinado y extraño autodesprecio.

Eso lo convierte en una adición muy recomendable a tu lista de seguimiento del mes del Orgullo, pero si eres una de esas personas que está harta de historias que convierten nuestras vidas en tragedias (y no podemos decir que te culpemos), quizás quieras darnos Éste es un pase a pesar de la importante verdad que le habla al poder.

"Payasadas"(Digital/DVD del 13 de junio), del director argentino Marco Berger, no es una película más edificante, pero sí ofrece el atractivo sexual que ofrece un elenco increíblemente atractivo de jóvenes estrellas masculinas filmadas en su mayoría en varias etapas de desnudez, una tentación que Suena completamente inapropiado, pero llega al corazón de la exploración que hace la película de (una vez más) la homofobia y su relación con la idealización distorsionada de la masculinidad que la impulsa.

Ambientada en una villa de lujo en el campo de Argentina, sigue a un grupo de amigos que se han reunido para unas vacaciones de verano, donde la mezcla de bebida, drogas y testosterona juvenil da como resultado travesuras predeciblemente groseras pero relativamente inofensivas y algunas fotos vergonzosas. , impulsado principalmente por insinuaciones y burlas burlonamente homofóbicas; Todo es divertido, simplemente hermanos siendo hermanos, ¿verdad? – al principio, pero a medida que avanza la semana, las inseguridades subyacentes, los secretos, los celos y otros subproductos profundamente arraigados de la masculinidad tóxica comienzan a salir a la superficie, y la presión bajo el alegre y alegre cruce de límites de los chicos el hedonismo comienza a construirse hacia algo mucho menos inocente.

Revelar más detalles desharía la revelación de detalles cuidadosamente estratificada de la película, lo que constituye un estudio fascinante de la masculinidad inmadura y la no tan sutil coerción social que perpetúa una norma rígida, mayoritariamente heterosexual. El punto de Berger, subrayado por la “mirada masculina” descaradamente gay de la película y la aparente obsesión de sus personajes con todo lo “homo” como tema recurrente en sus diversos acosos mutuos, parece ser que la homofobia más virulenta se da en personas que son ocultando su propia rareza al mundo, y probablemente a ellos mismos también. No es un concepto nuevo, pero en un mundo donde la intolerancia anti-LGBTQ parece estar trabajando horas extras para afirmar sus prejuicios contra cualquiera que ama de manera diferente, es un recordatorio útil de que nuestros enemigos están motivados por un miedo mezquino, cualquiera que sea la retórica ideológica o religiosa. dogma que puedan escupirnos para justificarlo.

Desafortunadamente, aunque Berger emplea una actitud distante en el escenario de su película, gran parte de ella parece forzada, ponderada para llevarnos a una conclusión deseada. La intimidad casual de compañeros aparentemente heterosexuales parece demasiado íntima, su afán por "fingir" atracción sexual mutua un poco demasiado ansioso; Para socavar aún más el efecto, la gran cantidad de personajes en el conjunto hace que en ocasiones sea difícil realizar un seguimiento de quiénes son y qué relaciones tienen entre sí.

Aun así, su visión de la hiperhipermasculinidad y su correlación con la condición social en torno al sexo y las normas de género suena cierta, incluso si no siempre se puede decir lo mismo de lo que vemos en la pantalla. Y aunque, al igual que “The Neighbor”, puede resultar demasiado oscura para algunos, ofrece muchos atractivos visuales a modo de compensación, así que ¿por qué no disfrutarla?

Después de todo, es el mes del Orgullo.

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